Analogic Productions Re-issue RCA Living Stereo (LP, SACD & 24K Gold CD)

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近日，古典音樂市場的焦點，莫過於Analogic Productions (AP) 重印RCA Living Stereo 黃金時期的經典錄音。

這些經典，其實於早年已由不同唱片品牌重印了多次，品牌包括有RCA Victor, Chesky, Classic Records, BMG 及 JVC XRCD。

作為古典發燒友，相信不少師兄手上最少都收集了一至兩個不同的版本。

究竟今次由AP重印的25款瑰寶，是否值得收藏呢？再者，AP今次利用了3種不同的製式來重印，分別是33 1/3 RPM LP, Hybrid SACD 以及 24K Gold CD。究竟哪種製式較有優勢呢?

立此貼，旨在跟眾師兄們分享聆聽心得及作品介紹。另外，亦可比較一下，同一錄音，在不同品牌及不同製式的情況下，它們音樂取向及優劣。

在這先是看看AP廠方解釋，為何決定重印這些瑰寶吧！







《天方夜譚組曲》（Scheherazade，作品35）
《羅馬之泉》(Fountains of Roma）/《羅馬之松》(The Pines of Rome)
《展覽會之畫》Pictures At An Exhibition
《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）/《一個美國人在巴黎》（An American in Paris）
拉威爾 Rapsodie Espagnole《西班牙狂想曲》/ Pavane for a Dead Princess《悼念公主的帕凡舞曲》/ 拉赫曼尼諾夫 Isle Of The Dead, Op. 29《死之島》

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先由小弟做些剪貼功夫吧！

《天方夜譚組曲》（Scheherazade，作品35）



《天方夜譚組曲》，又名舍赫拉查達、舍赫拉乍得（英文：Scheherazade，作品35），是俄國作曲家里姆斯基-科薩科夫於1888年所作的一套交響組曲。它的創作靈感來自阿拉伯經典《一千零一夜》一書。

創作背景
里姆斯基-科薩科夫十二歲時入讀聖彼得堡海軍學院，直到1862年畢業（當時他已十八歲）。正當他為前路煩惱，要在海軍及音樂間作抉擇之際，海軍已經急不及待召他至艾瑪斯船艦（Almaz）服役，為期三年，並須行走於南北美洲及歐洲之間。原本他本人已決心離開軍隊，奈何兄長卻堅持不得要領；但當他回家俄羅斯後，里姆斯基本人卻獲得一個度身訂造之職銜—擔任海軍樂隊之督察，直至1884年被新任海軍部長廢除。他從軍期間之所見所聞，還有在樂隊之經驗，皆為他日後寫作「天方夜譚」提供無盡靈感。

各樂章大要
天方夜譚於1888年完成，翌年於萊比錫首演；此曲是里姆斯基-科薩科夫最後所寫的純交響大作之一。他生前形容此曲之配器，經已將俄國音樂之父格林卡所制定之常規編制高度發揮，及為他本人之創作階段劃上句號。在此交響詩當中，他原本希望憑音樂表情記號作各個樂章之標題，但今天欣賞到之四個樂章皆以當時之場景為題。
曲子開頭有一段陰鬱的旋律，由銅管奏出，象徵《一千零一夜》裡聽故事的蘇丹王；而象徵該原著中講故事的「舍赫拉乍得」的旋律，由小提琴和豎琴奏出，非常優美，在每個樂章都有出現。  



第一樂章
此部分之起首以充滿威迫感的銅管樂，表出專橫的蘇丹王沙里亞，他覺得天下女子皆不忠，甚至在初夜後將自己的妃嬪殺死。小提琴之奏出，表示「舍赫拉乍得」加入其中，及為他道出一連串之故事。里姆斯基-科薩科夫更藉多年前之航海經歷，描繪辛巴達乘風破浪，勇闖印度及斯里蘭卡海域之旅程。

第二樂章
此部分由巴松管引領，描繪卡蘭達王子之形像，更道出這位波斯王子抱着廣傳伊斯蘭教之決心。

第三樂章
此部分以扣人心弦的旋律作開端，描述一個年輕王子，跟公主墮入愛河，公主更為情人送上一段引人遐想的阿拉伯舞蹈。

第四樂章
此乃本樂曲之尾聲，舍赫拉乍得記起蘇丹王的威脅，遂說出一個使人震驚之故事，開首描繪熱鬧之巴格達節日，後來有逃亡海上的英俊青銅騎士，他所坐之船隻於海上經歷驚濤駭浪，其後亦船毀人亡。小提琴再奏出舍赫拉乍得之主題，引向平靜優美之終結—蘇丹王被舍赫拉乍得之妙語連珠所打動，兩人最後更成為終身之夫妻。

haha兄碟評:
天方夜譚的大戰 - Beecham .Vs. Reiner

資料轉自:
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E5 ... %E5%A4%9C%E8%B0%AD_(%E7%BB%84%E6%9B%B2)

chowhwk

古董兄，

這將會是樂迷最關心的題目。黑膠友，SACD 友，人人摩拳擦掌。朋友說光是這套已經知道考慮重新投身黑膠行列， 也有人說要升級到SACD。
，
古董兄把所有資料集中，功德無量。在下一定在傍邊敲鼓作興。

第一批的三張24K 金CD 我也買了，試試是龍是蛇？

看是否會像Eso 一樣創造另一個浪潮。

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《羅馬之泉》、《羅馬之松》



作曲家資料（Ottorino Respighi, 1879年 – 1936年）〈奧托里諾•雷斯皮基〉
奧托里諾•雷斯皮基生於義大利波洛尼亞，1891年至1901年在波洛尼亞當地的音樂學校學習小提琴和作曲。這段時期末，他前往俄國聖彼德堡，師從配器大師裡姆斯基•科薩科夫學習，並深受其影響。二十世紀頭十年中，他在波洛尼亞十分活躍，彈鋼琴、拉弦樂、指揮、教學，但對於自己具有作曲家的獨特才華，有些後知後覺。1910年他為雪萊詩作“Aretusa”配曲，開始展露出一定個性，1913年至1914年那部巨大笨拙的《戲劇交響詩》中仍明顯可見理查•施特勞斯的影子。
1913年，雷斯皮基定居羅馬，在羅馬音樂學院擔任作曲教授。他根據一天中不同時間羅馬風景所作的交響音畫——《羅馬之泉》（1914－1916）獲得成功，雷斯皮基最終找到了最適合他才華的完美方式。沒有做作的情感流露，沒有學究的玩弄深沉，他的音樂非常成功地表現出華麗多彩的風景。偉大的指揮家，諸如阿圖羅•托斯卡尼尼，把《羅馬之泉》和續篇《羅馬之松》列入保留曲目，確立了雷斯皮基的國際聲譽。在《羅馬之松》中，他在開場“波爾蓋賽別墅的松樹”裡模仿童謠，展現出敏銳的觀察力。“雅尼庫勒姆的松樹”的夜間場景中甚至還使用了留聲機錄下夜鶯的歌聲。要是晚生一代，雷斯皮基很有可能會在電影音樂中取得顯赫的成就。
但是，他後來試圖重複早年作曲公式就不怎麼受歡迎。比如，在《羅馬的節日》中，早期作品中的天真樸素轉變為了狂躁輕浮。但是他對於義大利早期音樂近二十年的探索卻碩果累累。在芭蕾作品《幻想玩具店》1919年的製作中，他以完美的才智和靈氣，把羅西尼的鋼琴曲改編成管弦樂。1927年，他為小型管弦樂隊創作了組曲《鳥》，精巧而又深情地改編了拉莫和帕斯奎尼等十七、十八世紀作曲家的撥弦古鋼琴小品。

雷斯皮基對古典時期之前的音樂語彙興趣盎然，引領他創造出一系列更簡樸抽象的器樂作品，如1921年為小提琴與弦樂而作的《格裡高利協奏曲》以及1924年的《多利安四重奏》。這些“復古”興趣所激發的最有吸引力、最惹人喜愛的成果便是輕快的聖誕大合唱《基督耶穌頌歌》，作品明顯受到蒙特威爾弟作品的啟發。

雷斯皮基晚年把更多注意力放在了歌劇上，儘管它們沒有一個被列入常規曲目，迷人的兒童歌劇《森林中的睡美人》還是值得重溫。他對管弦樂風格及音色卓越而又誘人的把握讓音樂中的美景呼之欲出，也使得其聲譽達到了更廣的範圍，尤其是在羅馬，他備受推崇。他於1936年在當地逝世。

羅馬之泉 - 樂曲賞析
「羅馬之泉」（Fontane di Roma）是雷斯皮基在1916年完成的交響詩。由於「羅馬之泉」得到大成功，因此他又寫「羅馬之松」（1924）與「羅馬之節日」（1928），形成「羅馬三部曲」。各作品均由連續演奏的四個部分組成。
「羅馬之泉」在1916年首演。首演時，評論家們多嘲笑他的作曲技法，但一般聽眾則很歡迎這部作品，後來也成為最有名的交響詩之一。這部作品聽來很有法國印象主義的味道。描寫水、描寫光、描寫水的流動…都是印象主義音樂的特徵。作曲家本人也說，他想：「把羅馬的4座噴泉，挑出其特徵與周遭的風景最調和的時間，或是最能給人美麗印象的時間，表現出心理所湧起的感情與幻想。」
雷斯皮基依黎明→早晨→白晝→黃昏之次序譜寫音樂，因此他不但描寫噴泉，還描述羅馬一天的氣氛。那他為什麼挑選噴泉？原來羅馬在「街道建設」與「水路建設」也是很有名的古代國家，或許雷史碧基覺得噴泉是羅馬文化的象徵之一。

第一樂章 黎明時的久利阿溪谷的噴泉 （La fontana di Valle Guliae）

這一段描述晨曦中的久利阿溪谷（Valle Guliae）的噴泉。問題是所謂久利阿溪谷的噴泉不知指那一座噴泉。至少在網路上沒有找到所謂Valle Guliae的噴泉。有許多書籍說所謂「久利阿溪谷」是指鮑格才別墅（Villa Borghese，佔地80公頃的羅馬第2大公園），但其附近好像沒有噴泉。另外也有人說：「那不是久利阿溪谷，而是在古羅馬時代建築的久利阿水路的噴泉。」久利阿水路好像是真的有噴泉，但網路上也找不到這座噴泉的照片。還有人說：「久利阿溪谷的噴泉是指在鮑格才別墅北方的費爾杜希廣場（Piazza Firdusi）的噴泉」。總之，這音樂描寫的是那一座噴泉，眾說紛紜。
這是描寫晨曦中風景的音樂，木管唱出很有情調的聽來很舒爽的旋律，大提琴溫柔的回答。這段音樂，只是描述噴泉附近的風景，倒不必特別注意噴泉。不過，雷斯皮基很以羅馬文化為傲，那這座噴泉，還是以古代羅馬的久利阿水路的噴泉較妥。認為他選這座噴泉做為一日之始也似乎有道理。
他自己說：「羊群消失在黎明新鮮而濕潤的晨霧中。」這是牧歌似的光景。

第二樂章 早晨的海神噴泉（La fontana del Tritone al mattino）


海神噴泉在巴貝里尼廣場（Piazza Barberini）的中央，海神噴泉是義大利巴洛克建築家貝尼尼所作。依希臘神話，宙斯、哈帝斯、波塞頓三兄弟各掌管世界的三分之一(天、地、海與河川)。波塞頓管理大海。特里同（Tritone）是他的兒子，他的上半身是人形，但下半身是魚形，也就是男美人魚。特里同與他的子女都會吹海螺，因此波塞頓出巡時，會吹海螺開道。海神噴泉表現特里同吹海螺把水吹上來的樣子。特里同在海上的暴風雨中發現遇難的船隻，就會吹海螺安撫暴風雨。
羅馬人原為農耕民族，但跟迦太基人打戰（布匿戰爭）時，也培養海軍力量，不但打敗迦太基人，還成為地中海的霸主。古代羅馬在布匿戰爭初期，也碰到暴風雨而大吃敗戰，幸好都能渡過難關獲得勝利。雷史碧基在早晨時段選出海神噴泉，或許意識到這段光榮歷史。
他說：「突然的法國號聲音，好像是呼叫特里同與水妖那伊阿得斯群的充滿歡樂的叫聲。他們在噴出來的水中，放肆的跳舞。」
法國號有力的聲音像是特里同吹的海螺，加上高音的木管樂器與小提琴，也像是早晨反射陽光閃閃發光的泉水聲音。很有節奏感。

第三樂章 中午的特萊維噴泉（La fontana di Trevi al meriggio）


這座噴泉因電影「羅馬假期」「羅馬之戀」（Three Coins in the Fountain）而頗為有名。尤其噴泉前的許願池，傳說背着水池丟進銅板，就能如願再來羅馬，因此在那兒丟錢的人很多。
這座特萊維噴泉是古代水路的終點。從這件事推論，以第一樂章的久利阿溪谷的噴泉為久利阿水路的噴泉也不無道理。這座噴泉的中央有特里同（在海浪兇猛處與平靜處各有一人）以及其父波塞頓的雕像。父子雕像背後有刻有許多雕刻的像凱旋門的門扉，波塞頓後面有一位女神，其上面的浮雕刻的是皇帝奧古斯都的重臣阿格里帕在批准水路建設。水路橋與圖像刻在他的背後。另一位女神像上面的浮雕，也刻有「對口渴的士兵指示泉水位置的少女圖」。由這些雕刻也會讓人聯想到噴泉與水路有關。
音樂在這裡讓銅管與風琴高響，表現出光與水的亂舞，也像是勝利凱旋的音樂。當然，希臘三大神之一登場，音樂一定要莊嚴又戲劇化。作曲家自己說：「號角響起，海神尼普頓的馬車率領特里同的行列通過，小號的弱音從遠處傳來，隊伍慢慢消失。」

第四樂章 黃昏的美第奇別墅的噴泉（La fontana di Villa Medici al tramonto）


美第奇別墅（Villa Medici）是羅馬的一組建築群，位於蘋丘之上，由斐迪南一世德美第奇建立。別墅花園中有一座噴泉。
這段音樂有點傷感氣氛，描繪出夕陽餘暉的風景。小提琴、長笛、單簧管奏出的音樂裡，豎琴、鋼片琴增加色彩，並靜靜結束全曲。作曲家自己解說：「開始於傷感的主題。黃昏，鄉愁。大氣中傳來鐘聲。小鳥鳴囀、樹木沙沙作聲。然後，所有事物消失於夜幕內。」


羅馬之松 - 樂曲賞析

交響詩《羅馬之松》(The Pines of Rome)，作於1924年，為所作以羅馬為題材的著名交響三部曲的第二部。於同年12月14日在羅馬首演。1926年由雷斯庇基親自指揮費城管弦樂團演出時，曾在節目單上寫道：“為了喚起對羅馬親切的回憶，我以羅馬自然風景中富有特徵意義的羅馬松樹，作為這首樂曲的描繪對象。”《羅馬之松》有四個場景，令人激動的第一個場景是孩子們在鮑格才家族的別墅裡玩耍，突然轉換到第二場景，一個地下墓穴的入口，在墓穴深處發現了羅馬教皇的三聖頌。第三個場景描寫了月光照在珈尼庫倫山上，在淡淡的音樂背景下，傳來著夜鶯的鳴叫，這個效果是在音樂會現場播放錄音實現的，這也是這部作品最特別的段落。最後，從著名的亞壁古道上傳來了作為領軍曲的進行曲，好像向首都勝利進軍一樣。雷斯皮基創造了一個非常漂亮的漸強的形式，開始在很遠的地方聽到了軍隊的聲音，然後慢慢地帶到視覺中，好像是一大隊軍隊從遠處走來，十分輝煌、壯麗。精彩的結局把該劇推向了引人注目的高潮。全曲共由四部分組成。

第一樂章〈博爾蓋塞別墅的松樹〉


雷斯庇基說明:“博爾蓋塞別墅松樹林立，林蔭之下可供孩子們遊玩，他們圍成圓圈舞蹈，並玩著軍隊與戰爭的遊戲。有如傍晚的燕子，在自己呼叫聲中顯得異常興奮，成群結隊地走過來。”博爾蓋塞別墅據說是16世紀貝裡尼所建。位於羅馬市中心，規模宏大。後收歸國有，稱博爾蓋塞公園，為羅馬最大、最美的公園之一。樂曲採用急速的小快板速度（bB大調——2/8拍）。在序奏部中，鋼片琴、鋼琴、豎琴、鐘琴、三角鐵響成一片，分散和弦、顫音、滑音交叉出現，形成了喧鬧的音響。描繪了孩子們在松林中追逐嬉戲的動人情景。隨後，英國管奏出了樂曲的主題。這一歡快而富有彈性的義大利民間舞曲旋律，表現了孩子們歡快的舞蹈場面。熱烈的情緒步步高漲後，雙簧管奏出由典型的民間兒歌音調寫成的旋律。打擊樂器清亮的音色，單純的節奏和簡樸的旋律，仿佛使人們看到一群天真可愛的孩子模仿士兵，邁著稚氣的步伐列隊行進著。接著，圓號以歡快的速度奏出由四度三聲音列組成的民間兒歌旋律。樂曲達到最高潮後，氣氛突然急轉直下，低音提琴將其轉入寂靜的第二樂章。

第二樂章〈卡塔科巴墓地的松樹〉


卡塔科巴是古代基督教未被公認時的地下墓場，教徒們聚會作禮拜的場所。雷斯庇基說明：“站在卡塔科巴墓窟入口處的松樹蔭下，可以聽到從墓窟深處傳來的聖讚歌聲。那莊嚴的讚歌回蕩在空中，隨後神秘地、漸漸地消失。”樂曲採用慢板（4/4拍）。帶有弱音器的低音絃樂器奏出幽暗、低沉的旋律，使人仿佛置身于松樹的濃蔭下，感受到古老墓地空寂蒼涼的氣氛。接著，大提琴和圓號先後奏出格利高裡聖詠的片段，表現了一種崇高、聖潔的情感。這一悠悠浮動的旋律，猶如隨風晃動的松影。隨後，從舞臺後面傳出由小號奏出的帶有讚歌風格的主題旋律（G大調），那悠遠而莊嚴的音響，仿佛從墓窟深處漂浮而出，充滿了祈求未來的虔誠之情。這一旋律在鋼片琴的伴奏下反復之後，大提琴奏出象徵信徒祈禱的音響，那單調的同音反復和吟誦般的節奏，猶如信徒們喃喃的祈禱聲。這一祈禱的音響逐漸增強，與眾讚歌風格的主題相互交織，形成了樂曲的高潮。接著，圓號再現格利高裡聖詠的片段，漸漸地進入第三樂章。

第三樂章〈吉阿尼庫倫山的松樹〉


雷斯庇基說明：“輕風在空中微微顫動，吉阿尼庫倫山的松樹在滿月明亮的光的照耀下，顯得遙遠而輪廓非常分明，夜鶯在樹枝上婉轉地歌唱。”。樂曲採用徐緩的慢板（bB大調——4/4拍）。低音絃樂器輕弱的長音和輕輕敲擊的大鑼聲，引出了行雲流水般的鋼琴華彩段落。隨後，單簧管奏出憂傷的主題。溫和柔婉的旋律描寫了淒清的月色，輕拂的微風和搖曳不定的松樹陰影。為這一憂傷的抒情主題伴奏的絃樂器都加上了弱音器，但音量逐漸增強，仿佛那些蒼勁的松樹慢慢地向人們逼近。隨後，雙簧管奏出了又一支誘人的旋律，宛若吉阿尼庫倫山上空回蕩著的月夜的讚歌。大提琴和小提琴先後展開這一旋律後，木管再現樂曲憂傷動聽的主題。鋼琴也再次奏出華彩段落。接著，樂曲加進了夜鶯鳴叫的錄音，在樂隊和諧的襯托下，那婉轉的鳥鳴把人們帶到幽靜、美妙的明月之也。最後，樂曲在豎琴柔美的撥弦聲中輕輕地結束。

第四樂章〈亞庇大道上的松樹〉



亞庇大道為西元前312年克勞裡斯所建，為古羅馬軍隊出征時必經的道路。雷斯庇基說明：“亞庇大道的黎明，濃霧籠罩著整個大地。孤寂的松樹在迷霧中靜靜地佇立。連綿不斷的腳步聲，發出模糊而平靜的節奏。那是詩人在幻想中追憶著充滿榮光的業績。小號聲突然鳴響，絢麗的陽光照耀下，執政官的軍隊在鋪滿櫻花的大道上邁進，他們帶著勝利者的氣概登上了高高的卡庇托列雪山。”樂曲採用進行曲速度（bB大調——4/4拍）。在定音鼓、鋼琴、低音絃樂器奏出的整齊的步伐節奏中，單簧管奏響了進行曲的主題音調，使人聯想到古老的羅馬軍隊，正沿著亞庇大道英姿勃勃地行進。步伐節奏越來越響，仿佛軍隊越走越近。這時，從舞臺後面傳來雄壯的號角聲響，象徵著軍隊的勝利凱旋，也象徵著燦爛輝煌的陽光。樂曲越奏越響，仿佛浩浩蕩蕩的隊伍沐浴著陽光列隊而過。隆隆的腳步聲和號角聲響徹了整個亞庇大道。最後，在高潮中再現進行曲的音調，歌頌了古羅馬的光榮歷史，以豪邁的氣勢結束全曲。

資料轉自:
http://mypaper.pchome.com.tw/binjen/post/1320880521
http://mypaper.pchome.com.tw/binjen/post/1320889187
http://www.baike.com/wiki/%E7%BD ... %A0%91?prd=so_1_doc

周翁碟評:
AP Analogue Production 的羅馬之松/羅馬之泉

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Pictures At An Exhibition『展覽會之畫』



俄國作曲家Modest Mussorgsky（1839—1881)的『展覽會之畫(Tableaux d'une exposition)』名聞遐邇，我們一般所聽到的是Ravel所改寫的管絃樂版本。但Mussorgsky的原版其實是為鋼琴而寫的組曲，創作於1874年。1922年Ravel接受俄國指揮家Serge Koussevitzky(1874—1951)的委託，將此曲改寫為管絃樂曲。由於這首鋼琴曲蘊含著強烈的描繪性與豐富的表現力，因此後來起碼有六位作曲家將它改寫為管絃樂的版本。不過最成功、流傳最廣的還是法國作曲家Ravel的版本。這也是我們今日最常聽到的『展覽會之畫』。

Mussorgsky創作『展覽會之畫』的緣由，是為了哀悼一位去世的畫家朋友Victor Hartman（1842—1873)。在 Hartman 去世後，Mussorgsky與一些朋友們為他辦了一場紀念畫展，展出了設計圖、素描及水彩畫等四百多幅作品。後來Mussorgsky從其中挑選了特別喜歡的十幅畫，以此作為靈感的泉源，譜寫成一部鋼琴組曲，所以這部作品每一幅畫都有一個標題。就此而言，這部作品似乎屬於標題音樂。『展覽會之畫』完成後，直到1881年Mussorgsky去世，他未曾聽過有哪位鋼琴家演奏他這部作品。亦即在他生前，他不曾聽過自己這部作品完整的鋼琴演出。

這部作品很特別的一點是：Mussorgsky為這十幅畫的一開始及某兩首之間，設計了一個步行的主題—Promenade。這主題有時出現，有時沒出現。在一首組曲中的某些段落出現步行主題，很容易讓我們引起一種聯想：彷彿一位觀眾藉著步行主題走到一幅畫前駐足欣賞，然後出現那幅畫的音樂；接著步行主題出現，又走到了另一幅畫前，然後又出現那幅畫的音樂。這步行主題有如迴旋曲中Ａ段的主題一般，時常會再現；所不同的是這步行主題並不會在每一幅畫前面都出現。其實Mussorgsky之所以設計這步行主題，最重要的原因應該是：透過這步行主題，比較能夠自然地銜接一段段性格迥異的繪畫和音樂。亦即透過這步行主題作為過渡，讓前後兩首各具強烈特質，各帶鮮明性格，幾乎無法相容的音樂，可以有個緩衝，進而讓兩者的銜接更為自然。
欣賞這部作品時，不妨就Mussorgsky原來的鋼琴版本與Ravel改寫的管絃樂版本一起聽，並加以比較。除了別有趣味外，對於管絃樂法必定也更有體會。

步行主題 Promenade  適度的快板(Allegro giusto)　

『展覽會之畫』一開始便是步行主題。這主題的旋律較具東方風味，也帶點進行曲的味道。作為樂句與樂句的組合，最微妙的是：短句與短句的拍子其實是不一樣的。它的變化相當微妙：第一個短句五拍，第二個短句六拍，這五拍加六拍的兩個短句形成一個前句；然後再反覆一次五拍加六拍作為後句。前句聲部較少，音量較輕；後句聲部較多，音量較重，因此形成領唱、和唱的效果。五拍、六拍，音樂以如此的方式進行了四次。但是聽音樂的人幾乎不易察覺到其中隱含著如此細膩、微妙的不同拍子的變化，聽來只覺得是非常工整的問答句罷了。



這步行主題在 Ravel所改寫的管絃樂版本中表現更為豐富而突出。畢竟那是將近百人的大樂團，作曲家所能運用的資源何等豐沛！加上 Ravel 本身又是無比精湛的管絃樂者，對樂器的搭配、運用有相當獨到的心得，音樂之精彩自不在話下。
Ravel改寫後，主題由小號獨奏開始，然後樂隊加以和唱。在四次的五拍、六拍之後，管絃樂的配器改變了—變成以絃樂為主。所以很顯然地，到這個地方確實是告了個小段落。步行主題在主要旋律後會作音域的變化，旋律的推移。我們會聽到有絃樂為主的六拍、六拍、五拍、六拍、六拍；有簡單的問答句；有管絃樂一起的較重的音樂；然後會出現熟悉的五拍、六拍的步行主題；最後以步行主題的推移發展作為結束。演奏起來將近兩分鐘。這就是『展覽會之畫』裡相當著名的步行主題！

第一首 侏儒(Gnomus)      
活潑生動地(Vivo) 降Ｇ大調 3/4拍子

隨著步行主題，我們走到了第一幅畫前面。第一幅畫標題是《侏儒》。在 Hartman的繪畫當中，侏儒並不是一個小矮人，而是個做成侏儒形狀的胡桃鉗—可以夾碎核桃硬殼的鉗子。這曲子雖然名為侏儒，我們欣賞時別太拘泥在標題上。畢竟音樂不是要還原畫幅原來的樣子，何況繪畫是一種造形藝術、空間藝術，而音樂是一種聲音藝術、時間藝術，兩者是截然不同的領域。我們至多只能說Mussorgsky從繪畫中獲得某種靈感而創作此曲，但此曲絕不是要還原那幅畫，所以聽音樂時無須有太多聯想。
這曲子共有ａｂｃ三段音樂，它的循環順序如下：ａｂａｃａｂ。ａ的節奏多變化。如果我們特別從節奏的角度來觀察，可以發現它是不太平穩的節奏。或許是為了突顯有點稀奇古怪的侏儒樣貌，譬如走路可能一顛一跛的，所以節奏比較不穩定，音樂也一下子重的，一下子輕的。ｂ段是個下行的旋律，我們會一直聽到「 ∘｡ ， ∘｡ ，  ∘｡ 」的下行音形，節奏較為穩定、單純，但是「  ∘｡ 」的音域也給人一種壓力，讓人有點喘不過氣來的感覺。ｃ段的音樂聽來有點沈重、有點哀傷，但是不斷被ａ的急促音形打斷。接著是ａ動機的變化，然後又是ｂ，製造個高潮後結束這曲子。
在管絃樂的版本裡，畢竟演奏人數眾多，表現的可能性也大為提高。譬如ｂ段，由於配器的作用，聽來彷如童話世界一般，是異常細緻而不是粗粗糙糙的；ｃ段的沈重感在這裡也特別明顯；又如結束前的高潮，在管絃樂版本中也更為突出。

第二首 古堡(Il vecchio castello)
極似歌唱又含有悲痛的行板  升ｇ小調  6/8拍子

《侏儒》是多變化、較誇張、較尖銳、較富現代感的音樂，可是接在後邊的第二幅畫是《古堡》，畫中描繪的是中世紀所遺留下來的業已荒廢、破舊不堪、斷垣殘壁的一座古堡。在《侏儒》裡，作曲家表現一種很新的意象，而《古堡》卻是中世紀遺留下來的建築物。所以從《侏儒》到《古堡》，步行主題的過渡便非常必要，否則兩個完全不同的世界，兩個懸殊那麼大的風格，乍然銜接是不可想像的。在《侏儒》的高潮之後所接出的步行主題，一樣是五拍子、六拍子的交替，總共出現六次。這裡的步行主題其實已經暗示著《古堡》的音樂風格了，輕輕的配器已經醞釀出《古堡》的氣氛了。
《古堡》的音樂大概可以算是整部『展覽會之畫』當中旋律最美的。它旋律的迷人在於它的古風，在於它的遙遠、古老的感覺。有趣的是 Ravel改寫後，主要的旋律竟然用管絃樂團當中很罕見的樂器薩克斯風來吹奏。一個很遙遠的、蒼老的、古風的旋律，用薩克斯風來吹，確實是相當特別的。
這曲子是ａｂ兩段旋律的交替：ａａｂｂａａｂａ。無論ａ或ｂ，每次再現時都會略作改變。一開始的音樂跟後邊的音樂一比，顯然不夠獨立，所以它只是個導奏。ａ是會喚醒人們心裡某些遙遠的記憶的旋律，每個人聽來固然感覺都不同，但一定都覺得很美。ｂ段與ａ段對比不是很強，但在配器上最大的改變是由絃樂擔綱了，所以予人一種更模糊、更浪漫的感覺。ｂ段與ａ段相同的是都維持著拍打的節奏。由於Mussorgsky用了許多頑固低音，所以音樂顯得非常沈穩，有如化石般屹立不動，呈現一種很古老但又斑駁有致的美感。

第三首 御花園（Tuillerien: dispute d'enfants après  jeux）
勿太快的奇想的小快板  Ｂ大調  4/4拍子

《古堡》結束後又出現了步行主題，叫我們不要沈迷在中世紀，該回來了。因為下一幅畫是《御花園》。Hartman 原來畫的是巴黎皇宮的一座花園，這座花園在1871年毀於大火中。可能因為這緣故，Hartman 從記憶中捕捉當年的印象，畫成了這幅《御花園》。在 Hartman《御花園》的繪畫中，或許有小朋友追逐嬉戲的情景，所以Mussorgsky也把音樂寫得非常活潑、可愛：我們可以聽到有奔跑的意象，有小孩喘氣的聲音，而且旋律都短短的，有如童謠般簡潔、單純，那是只可能出自小孩口中的音樂。所以這曲子所描繪的應該是在御花園中遊戲的一群小孩子。
所以從《古堡》之後，進入《御花園》之前，Mussorgsky也寫了一個步行主題，好讓我們從五、六百年前回到十九世紀的御花園。因此，以音樂而言，步行主題最大的功能是過渡：化解前面的，預備後面的。因為作曲家既然那麼寫，必定有一種延續的意義在內。另外我們也可以發現：每次的步行主題，Mussorgsky都寫得不太一樣。
《御花園》曲子很短，演奏起來才一分鐘左右，形式為ａｂａ三段體。ａ段是小朋友追逐奔跑、嘻笑喘氣的音樂；ｂ段的音形非常特別，似乎是小孩子玩累了，有點疲倦地賴在母親身旁撒嬌一般—在管絃樂版本裡，這種感覺尤其顯著。短短的小品，很孩子氣的音樂！

第四首 牛車（Bydlo）
始終感情沈重的中板

《御花園》之後緊接著是第四幅畫《牛車》，中間沒有過渡。Hartman 所畫的牛車應該是像波蘭等一些東歐國家輪子特別高大的牛車，很緩慢地、顛顛跛跛地走在崎嶇不平的路上。就形式而言，這曲子也是ａｂａ三段體。一開始的ａ段，我們聽到的是一個頑固低音在表現著的往前推進的主題，那是一股雖然笨重卻不斷慢步前進的動力；在這動感的上方，有低音號吹奏的很簡單、很純樸的旋律，彷彿是Mussorgsky有意突顯牛車上樸實的農夫和他鄉下人的性格。有趣的是隨著音量逐漸加重，形成一種由遠而近的感覺。ｂ段的旋律也是簡單得不得了。無論ａ段、ｂ段，旋律都非常樸素，將牛車主人的性格淋漓盡致地襯托了出來。後邊的ａ段加進了定音鼓，然後旋律漸行漸遠，似乎牛車逐漸消失在我們的視線中。本來一幅畫是靜態的，可是作曲家讓它動了起來：牛車從很遠的地方走過來，又慢慢消失在我們眼前。所以音樂這種聲音、時間藝術，跟繪畫那種造型、空間藝術，真的差別很大—透過力度的改變，可以產生距離、空間的感覺。

第五首 蛋殼中的小雞之舞(Ballet de poussins dans leurs coques）
詼諧而輕快活潑地  Ｆ大調  2/4拍子


第五幅畫是《蛋殼中的小雞之舞》，可以想見 Hartman所畫的必定是蛋殼剛破，一隻小雞剛剛誕生的畫。Mussorgsky將這曲子寫得可愛異常。一樣是ａｂａ三段體：ａ是一連串的工整短句 ∥： = = ：∥ _ ▁ ▁▁

給人的印象十分深刻。ｂ是像芭蕾舞般的音樂。像這麼可愛的曲子，由鋼琴來表現其實也真的很好；改寫成管絃樂曲是否就一定超越鋼琴，恐怕是見仁見智了。不過ｂ段如芭蕾舞般的音樂，在管絃樂版確實是表現得更好，舞曲的律動更為強烈。
從大《牛車》到《蛋殼中的小雞之舞》，對比多大！當然得有一個過渡作為預備—將笨重的牛車音樂化輕掉，待會兒接蛋殼中的小雞之舞才不會太突兀。而且在步行主題結束前，我們還可以聽到小雞之舞ａ段動機的預備。 這第五首是非常可愛的小品。

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第六首 富人跟窮人的對話（Samuel Goldenberg et Schmuyfe)  
行板   降ｂ小調    4/4拍子


吉普賽風格之音階，代表富人
小號(小喇叭)加弱音器，代表窮人
富人與窮人之主題並行，象徵兩人爭吵，富人三次罵窮人　

第六幅畫標題是《富人跟窮人的對話》。Hartman 畫的原本是兩個猶太人：貧困的Schmuyfe跟在富有的Goldenberg身邊嘮叨不休。一開始的音樂象徵著富人—有錢人講話就是這種口氣！而且音樂也透露出一種猶太人的性格：因為音階是吉普賽風格或阿拉伯風格。窮人講話的語調又如何？Mussorgsky以小號(小喇叭)加弱音器所發出來的音色來呈現。兩者很容易分辨。比較有趣的地方是曲子結束前，Mussorgsky讓富人和窮人的主題同時並行，那應是兩人在爭吵的象徵。最後的半分鐘音量弱了下來，我們會聽到富人三次威嚇性地罵窮人，最後一次罵得尤其厲害—雖然不知他到底在罵什麼。

第七首 Limoges的市場（Limoges-le marché）　
始終詼諧活潑的小快板   降Ｅ大調   4/4拍子

第七幅畫標題是《Limoges的市場》。Hartman畫的是法國南方地區一個名為Limoges的城鎮的市場。Mussorgsky 則透過音樂表現著市場裡頭吵雜、紛亂、熱鬧、忙碌及婦女們喋喋不休的場面。形式仍是簡單的ａｂａ三段體，ｂ與ａ對比不強，有一個尾聲接在後面。此曲主題管絃樂版本較鋼琴版本來得明顯。
《Limoges 的市場》以音樂風格而言，是屬於常動曲—就是從頭到尾曲子的音符始終是飛快的，像一陣風一樣掠過去。這裡一連串節奏短促的十六分音符，用來呈現忙亂不堪的市場景象及說長道短的喋喋不休，確實生動異常。很特別的是下一首是《羅馬人的古墓》，作曲家卻未安排步行主題作為過渡，而直接讓《Limoges 的市場》吵雜的，但充滿旺盛生命力的，突然一下子跌進陰森森的、死氣沈沈的墓穴裡邊。這種對比在 Ravel的管絃樂版本中尤其能夠深切體驗到。

第八首 羅馬人的古墓（Catacombae-Sepulchrum romanum）
最緩板（Largo）   3/4拍子


第八幅畫標題是《羅馬人的古墓》。在 Ravel的管絃樂版本中，由前一首《Limoges 的市場》活生生的世界，突然掉進陰沈沈的古墓中，那特別的效果是很令人驚嚇的。這絕對是刻意的，把那麼熱鬧的、吵雜的、充滿生命力的，和死亡比並在一起，而且沒安排步行主題作為緩衝，要的正是這種對比強烈的效果。
《羅馬人的古墓》是整部組曲當中最恐怖的一首。Ravel 運用大量的銅管樂器來製造一種接近管風琴的效果，是極具震撼力的；我們也由這樣的音色，格外能體會到它的嚴肅與恐怖，有如一首安魂曲般。這前半沒什麼輪廓明顯的旋律，但力度的對比相當明顯。音樂進行到一半時，小號吹出了一個很浪漫、很感傷的旋律，句子很短、很美，帶著一種掙扎的感覺。特別的是在此曲的後半，Mussorgsky寫了一個標題：這一段是用死人的語言來跟死人對話。而會令我們嚇一大跳的是：那死人的語言竟然是步行主題！只是步行主題在這裡被變奏了，被化成小調了，以各種不同的樣式在表現，彷彿變奏曲一般。後邊好幾次出現豎琴，豎琴的音色總給人一種昇華的感覺。
這就是整部『展覽會之畫』當中最恐怖、最詭異的一首！

第九首 巫婆的小屋(La cabane sur des pattes de poule)
兇暴而燦爛的快板  Ｇ大調  2/4拍子


第八首《羅馬人的古墓》之後，幾乎是直接進入第九幅畫《巫婆 Baba Yaga的小屋》。這也是用ａｂａ三段體的形式寫成的。前邊有段導奏，由粗獷而尖銳的動機開始，當一個獨立的旋律浮起來了，那就是ａ段的主題—既然是巫婆的音樂，當然不會太自然。ｂ段Mussorgsky用了一個相當特殊的音程來表現，那種非常奇怪的語法，顯示著這絕不是一般正常的人。突然弱下來的音樂，加上特別的音程，給人一種巫婆正在煉丹的聯想。再回到ａ段時，會先聽到一小段導奏的音樂，才進入ａ段—這絕不是煉丹，而是巫婆騎著掃把在天上飛的音樂。

第十首 基輔大門（La grande porte de Kiev）
快板、 2/2拍子風格、莊嚴肅穆並含有威風堂堂的樣子


前邊第九幅畫《巫婆 Baba Yaga的小屋》也是直接進入第十幅畫《基輔大門》—基輔是位於俄羅斯西邊，靠近土耳其的一個城市。這也是 Mussorgsky 所選的 Hartman的畫作為『展覽會之畫』組曲的最後一個曲子。這幅畫應該是 Hartman為基輔設計的一個城門，城門上掛了許多大大小小的鐘。所以在音樂中，我們可以聽見叮叮噹噹的鐘聲四處響起。讓畫中原本不會發出聲音的鐘真的響了起來，這當然又是造形藝術與聲音藝術，空間藝術與時間藝術的差別所在。

作曲家在一段音樂跟一段音樂之間寫直接進入，必定是希望我們能將這兩首曲子作一體的聯想，並且格外留意它進入的效果。從《巫婆的小屋》直接進入《基輔大門》，也是作曲家刻意設計，效果突出的：《巫婆的小屋》是有點詼諧的、可笑的，進入雄偉的、豪壯的《基輔大門》，是非常強烈的對比—不過在鋼琴上比較不容易聽出那效果，Ravel 改寫的管絃樂版本就精彩了許多。如果將Mussorgsky的鋼琴原版比喻為素描的話，那 Ravel的管絃樂版本就是五彩繽紛的油畫了。
這曲子以形式而言，是ａｂａｂｃａ的迴旋曲。一開始的ａ段，Mussorgsky寫了一個很美的主題，像讚美歌一樣，歌頌著基輔。如果仔細體會，就會發現ａ段音樂的節奏及旋律走向，似乎是步行主題的昇華，兩者的屬性是非常接近的。從ｂ段的音樂，我們似乎聽見了俄羅斯的宗教音樂—東方正教的聖歌。這裡音樂短暫地輕了下來，木管樂器呈現出聖詠的風格，那不是葛麗果聖歌，而是東正教的儀式歌曲，彷彿教堂裡正作著彌撒一般。進入ｃ段，彷彿鐘樓的鐘一起響了起來—鐘樓上有大的鐘、有小的鐘，大鐘帶出小鐘敲著。鐘響起來後，我們會聽到跟著它的竟是步行主題的旋律！鐘樓上鐘聲齊鳴，陪伴著步行主題，似乎是步行主題被聖歌化了，這當然是很令人感動的一個高潮。不過為全曲結束前，最後的高潮是透過醞釀，將ａ段對基輔的讚美歌的音值放大，亦即將速度放慢。透過音值的放大，每個音符都像釘在地上的木樁一般，音樂能格外顯出它雄偉的風格來。以如此絢爛綺麗、氣勢磅礡的讚美歌結束整部作品，效果之佳當然沒話說。
如果我們購買『展覽會之畫』的樂譜，也許其中多少會附上Hartman 的幾幅畫。而基輔大門是最常見到的—像牌坊一般，上邊掛了一些鐘。我們覺得最微妙、最神奇的是：本來一幅安靜無聲的畫，透過作曲家的巧思，可以變成聽覺上的至高享受！另外要再次提醒的是：欣賞這部作品時，千萬別太拘泥在標題上。倒是不妨將 Mussorgsky樸實的鋼琴原版與Ravel色彩繽紛，令人眼花撩亂的管絃樂版本相互比對著聆賞，既別饒趣味，更可獲益良多！

周翁碟評:
初試啼聲的Reiner CSO 畫展的Analogue Production 24K 金碟

資料轉自:
http://simple.wikipedia.org/wiki/Pictures_at_an_Exhibition
http://web.sjsmitaa.org/~lily/music/music5-6-1.htm

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跟據資料，AP將重印的 第四張 會是 《一個美國人在巴黎》/《藍色狂想曲》Arthur Fiedler  - Gershwin: An American In Paris / Rhapsody In Blue



《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）及《一個美國人在巴黎》（An American in Paris）是美國作曲家喬治•格什溫（George Gershwin）分別於1924年及1928年間所寫成。
George Gershwin (1898年9月26日－1937年7月11日）是一位美國作曲家。出生於紐約布魯克林的一個俄國猶太移民家庭，原名雅各布•格肖維茨（Jacob Gershowitz）。他的貢獻是把古典音樂的風格與爵士樂和布魯斯的風格結合了起來。George Gershwin 1937年夏因患腦癌去世，去世時只得三十九歲。

《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）
《藍色狂想曲》是寫給獨奏鋼琴及爵士樂團的樂曲，它融合了古典音樂的原理以及爵士的元素。此曲的首演一般是認為在一個標題為“現代音樂實驗”的音樂會中，於1924年2月12日紐約風神音樂廳（Aeolian Hall），由保羅•懷特曼（Paul Whiteman）指揮他的樂團以及格什溫演奏鋼琴。鋼琴與交響樂團的版本是在1946年由美國作曲家格羅菲（Ferde Grofé）所改編，它成為了美國音樂會中最受歡迎的曲目之一。就像其它格什溫最受歡迎的古典樂曲，藍色狂想曲讓他建立了多產作曲家的聲譽。

創作歷史
1924年美國作曲家喬治•格什溫發表了交響曲《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue），獲得巨大成功，使他成為世界級作曲家。
早在格什溫創作生涯的初期，他就懷有成為嚴肅音樂家的雄心壯志。因此，當保羅•懷特曼為組織"現代音樂實驗"音樂會而邀請他寫一部"爵士協奏曲"時，格什溫很感興趣，他一直嚮往著寫作摻有爵士樂因素的嚴肅音樂。不過懷特曼給的期限太緊，而且他早就發佈了格什溫將為這次音樂會作曲、並親自擔任鋼琴獨奏的消息。這樣，格什溫一點退路也沒有了。
據說格什溫是在去波士頓的旅途中創作本曲的，他事後曾這樣描述："那是在火車上，可以聽到鏗鏘的節奏和隆隆的撞擊聲……我經常在噪音深處聽見音樂。就在那裡，我忽然從頭至尾構築出，甚至是躍然紙上"從波士頓返回僅一星期，除了少數鋼琴獨奏的華彩樂段外，格什溫完成了全曲的鋼琴譜。至於那幾個華彩樂段，他準備留到首演時作即興創作。樂曲完成後，格什溫為作品的標題大傷腦筋，直到離初演只有幾天時才最後定名。因為藍色（blue）同作品中所採用的起源於美國黑人勞動歌曲和靈歌的布魯斯（blues）曲調正好是同一個詞，故最終採用了"藍色狂想曲"（Rhapsody in Blue）之名。

樂曲賞析
《藍色狂想曲》是為鋼琴和管弦樂隊而寫的類似單樂章的協奏曲作品，其中主題的即興式表達同交響性的發展有機地結合在一起。黑人布魯斯音樂的調式及和聲因素、爵士音樂的強烈的切分節奏和滑音效果，都賦予這部構思獨特的作品一種與眾不同的色彩。格什溫在這部作品中，對那些情緒全然不同的段落的安排，如抒情性與戲劇性，舞蹈性與歌唱性的對置，也頗具匠心。

主題
樂曲以獨奏單簧管低音區裡的一個滑音開始，這是一個上升音階的基礎。當音階上升到最高一個音符時，作品的一個放任不羈的主要主題迸發了出來（bB大調）。接著，法國號和薩克斯管奏起了一個節奏性很強的主題。它和上述的單簧管主題情調十分接近，就像是這個主題的變形或延續，只是較前者更加強勁有力，而且顯然帶有舞曲風格。加弱音器的小號再次奏出這個出題，將優美的鋼琴引來。鋼琴在陳述主題後，又以變奏加入，並引向一個輝煌的、重述各主題的獨奏。現在，主要主題以果敢有力的音響出現在樂隊齊奏的音樂中，明亮的小號又奏起了一支開闊嘹亮的曲調，音樂就此掀起了一個異常活躍的新高潮。
樂段
華彩樂段是僅由獨奏樂器陳述的段落，鋼琴在上行音階與同音反復的爬行中，突然減緩節奏，隨後獨自陳述第一主題（G大調）。第一主題奏完後，緊張的第二主題隨之而來，開始為g小調，但在幾次變奏中出現頻繁轉調，大量的不和諧音展現了美國忙碌的工作生活。慌張的情緒暫時過去，鋼琴以緩慢的琶音引開樂曲中段。

中段
這是一首絃樂器奏出的美妙歌曲（E大調），這是全曲的中心，也是美國音樂中最著名的段落之一。這段音樂寬廣流暢、溫柔感傷，有一種類似柴科夫斯基《第一鋼琴協奏曲》第一樂章基本主題的風格。但特別的是，中段還出現了若隱若現的小鼓，表明不安寧的情緒仍在繼續。弦樂奏完後，鋼琴接著以變奏陳述。

尾聲
鋼琴以一個速度變化帶來了樂曲的尾聲，與樂隊再一次十分默契的配合。整個樂隊以雷鳴般的氣勢再現了樂曲的主要主題後，就以一個漸強的和絃輝煌地結束了全曲。



《一個美國人在巴黎》（An American in Paris）
《一個美國人在巴黎》（An American in Paris）是管弦樂交響詩，內容表達出極為濃厚的法美情懷。

George Gershwin創作此曲之靈感源自他的巴黎假期。當時他對巴黎這個法國首都興奮不已，並決定將各種印象和想像化成音樂作為表達；他在巴黎譜寫此樂曲，在一次前往維也納行程的途中進行配器工作，首演則在紐約，於1928年12月31日由瓦德•丹路殊（Walter Damrosch）指揮紐約愛樂演出。

樂曲賞析
此曲開始時以弦樂和雙簧管奏出主題，帶出一片朝氣蓬勃的境況，彷彿一個美國人以輕快的步履穿梭巴黎的大街小巷。曲中有的士的響聲（蓋希文在首演時更用上了4個巴黎的士響聲作陪襯），而伸縮號的旋律片段暗示那個美國人走過一個舞廳。然後單簧管以走路的步伐吹起第二個主題，獨奏小提琴更繪影繪聲，描繪出一位年輕女士。可是，美國人卻抵不住一絲鄉愁，此時響起了弱音小號奏出的藍調主題，而這個主題亦成為曲中最耳熟能詳的旋律。樂曲結尾令人精神一振，帶出的感覺正好表出他緬懷巴黎之情懷。


資料轉自:
http://baike.baidu.com/view/362761.htm
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E4 ... C%E4%BB%80%E6%B8%A9
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E4 ... 8%E5%B7%B4%E9%BB%8E

diamondblack

有人對比過新24k和SACD的CD層嗎？

diamondblack

我正是十五十六中

JVC-RCA XRCD24-SHMCD

LEGO

diamondblack 發表於 2014-4-6 07:39
我正是十五十六中

鑽兄，勁呀!

Law記

金CD要三舊水一隻，買齊一套真係金

haha12

diamondblack 發表於 2014-4-6 07:39
我正是十五十六中

黑鑽兄的大寳藏令人滿地囗水，要小心劫案。

以商業行為判斷，同一個Remaster而兩者售價相約，24k CD 比SACD 的CD layer 較佳是較正常賽果。。。AP 今趟是試水温，要每種貨品有獨立生存空間，長做長有，不會做壞名聲吧。

vintage_tube

haha12 發表於 2014-4-6 18:34
黑鑽兄的大寳藏令人滿地囗水，要小心劫案。

以商業行為判斷，同一個Remaster而兩者售價相約，24k CD 比S ...

haha兄的分析,果真有道理!
但我等玩SA的，SACD vs 24k Gold CD 的賽果,真的不比較過也難下判斷。

diamondblack

vintage_tube 發表於 2014-4-6 19:37
haha兄的分析,果真有道理!
但我等玩SA的，SACD vs 24k Gold CD 的賽果,真的不比較過也難下判斷。 ...

我在網上找不到24K的資料。膽兄有嗎？

k500a

diamondblack 發表於 2014-4-6 20:33
我在網上找不到24K的資料。膽兄有嗎？

黑鑽兄，
收藏果然豐盛。
這批24KCD 「信箱」說是特別印制，頭版限量發行。如果信頭版CD會好聲啲、又或者覺得限量版有收藏價值可考慮再入一round。
我也剛剛買了AP reissue 的 SACD Scheherazade 和 Pines of Rome  。
我手上剛巧也有一張 XRCD 版的respighi pines of rome。 AP 版的SACD果真是勝上一籌。

vintage_tube

diamondblack 發表於 2014-4-6 20:33
我在網上找不到24K的資料。膽兄有嗎？

黑鑽兄，

我在網上也找不到24K的資料！只發現SACD盒內有列明AP今次Reissue 用上三種不同製式！





碟面絲印用上原版黑膠的模樣，感覺不錯。

smalltiger

感謝膽兄精彩的收集和整理精美的資料和相片 ，令大家清楚相關的訊息 ，果真英雄出少年 ，小虎在此默默守候胆兄的樂訊佳音 。

vintage_tube

k500a 發表於 2014-4-6 20:40
黑鑽兄，
收藏果然豐盛。
這批24KCD 「信箱」說是特別印制，頭版限量發行。如果信頭版CD會好聲啲、又或者 ...

謝謝五百兄，開始有些不同版本在比較上的分享了！

可否說多一點，SACD勝在哪裏?

雖然我也買了SACD。但其實，今次AP Reissue 有兩個吊詭之處，令我懷疑24K Gold CD比 SACD Hybrid的 SACD層還要好聲。

第一是定價，LP定價最貴，其次是24K Gold CD，最後竟然是SACD Hybrid最平。

第二，今次AP Reissue，catalogue 内花了很多篇幅寫LP，想信三種製式都是用上同一條Remaster，如果條Remaster是首重LP而製，噤用Pulse-code modulation 的CD 會較 用Direct Stream Digital的SACD 着數！不知這推論是否成立！

當然，最終都係耳聽為實，希望有師兄比較下24K Gold CD同 SACD， 再給我們分享分享！

cwyip

買左ap 天荒夜談lp 昨晚大戰Classic record lp 版 我比較喜歡Classic record版多D 新AP版修飾了原版的火氣和毛噪感 不太似舊録音

vintage_tube

smalltiger 發表於 2014-4-6 22:40
感謝膽兄精彩的收集和整理精美的資料和相片 ，令大家清楚相關的訊息 ，果真英雄出少年{: ...

謝謝虎兄支持！

說來失禮，我只是左剪右貼，目的是在賞欣這些瑰寶時，手執平板便可翻閱搜集回來的資料。希望原著者不會介意吧！

另外，亦希望透過自己動手整理資料，加深印象。

當然，更希望能拋磚引玉，待眾師兄賜教！

到現時為止，HIENDY這討論平台都十分健康，值得大家珍惜！